100 años de exposición definida por ‘Art Deco’

28. Abril de 1925. Año, se abrió una exposición internacional de arte decorativo e industrial moderno en París. Esta exposición fue un evento de importancia significativa en la evolución del arte, la arquitectura y el momento del tiempo. Al mismo tiempo, excitaba un gran interés en mantener documentos y por su influencia, contribuyendo a la expansión de diferentes corrientes estilísticas.

Exposición de carteles. Wikimedia Commons

En España, fue el evento más popular en las revistas de la arquitectura en el período de intervalo, que coincide con el cambio de acceso a estas publicaciones de acuerdo con los diseños y muebles de interiores.

Después de la Segunda Guerra Mundial y hasta hoy, la exposición continuó fijando interés. Las abundantes bibliografías muestran su valor como un punto de inflexión en la concepción estética del tiempo, buscando intencionalmente históricos y énfasis y periódicos en creaciones artísticas e industriales.

Según “moderno”

La Exposición de París ha logrado grandes expectativas debido al proceso de gestación duradero. 1911 Rene Guiller, presidente Societe des Artistes Decoralateurs, propuso organizar un evento internacional que confirmó la superioridad francesa en el diseño, especialmente antes de la competencia alemana.

Exposiciones de espacios ocupados 1925. En el centro de París. Biblioteca de Nacional de Francia

Aprobado en 1912. Año, su celebración fue programada para 1915. Se retrasó en la Primera Guerra Mundial no se materializó hasta 1925. Años. Durante este tiempo, la exposición se publicó ampliamente en Presses for Press and Specialized Revistas, creando una oportunidad para la producción de un nuevo estilo. La idea de los espejos de innovación está en los conceptos básicos de las llamadas, que fue requerida por documentos no publicados y explícitamente excluyendo cualquier reproducción de estilos históricos. El cuarto artículo estableció que solo se aceptarán obras de “nueva inspiración y originalidad real”, prohibiciones de copias e imitación del pasado.

Esta directriz, aunque quería promover un nuevo lenguaje estético de acuerdo con los cambios sociales y tecnológicos, despertó la discusión de la interpretación “moderna”. Dado que su tarea era rechazar cualquier trabajo no considerado, la falta de criterios claros ha llevado a decisiones arbitrarias.

La exposición se ha convertido en tensiones entre las corrientes que abrazaron la vanguardia radical y aquellos que, sin renunciar a las modernas, mantuvieron ciertas conexiones con una tradición estilizada.

Dos visiones de moderna

Para los arquitectos y diseñadores más conservadores, la exposición estaba consolidando el estilo creado a partir de principios del siglo XX y que alcanzó su madurez en este evento.

Intell, Cutapeles y el contador de hierro forjado y plata besan a Paul en la exposición internacional de arte decorativo de París. 1925. Wikimedia Commons

Por lo tanto, fue básico en la difusión internacional “estilo moderno” o “estilo 1925”. En 1966, con motivo de una exposición retrospectiva, Les Annees 25 se celebró en el Museo de Artes Decorativas de París, ese estilo eventualmente se llamará Art Deco.

La mayoría de los pabellones franceses y otros países de Europa interpretaron la modernidad como una expresión de estilo de tiempo, a menudo fusionada con los elementos de cada lugar. Por ejemplo, un pabellón español, que diseñó Pascul Bravo, tenía una clara inspiración regionalista de la naturaleza andaluz.

Aunque la exposición excluyó los estilos históricos, el arte popular, junto con otras referencias diversas (culturas exóticas, cubismo, neoclasicismo o máquina francesa, entre otras cosas), se unieron a muchos proyectos. Esto mostró la diversidad de acceso dentro del Art Deco, en el que prevaleció un poco de alivio con motivos geométricos.

Una postal que reproduce el pabellón creado por las galerías de Lafayette. Wikimedia Commons

Por otro lado, el Avant -Garden consideró que el espectáculo fortaleció el enfoque decorativo lejos de la verdadera moderna. La arquitecta belga Augusta Perret dijo que el arte auténtico no requería decoración. Por su parte, Suiza Le Corbusier, en su libro L’Arrt Decomorathif d’Ajourd’hui, ha criticado el término “arte ornamental moderno”, dado que la verdadera modernidad no debería incluir el adorno, algo que Austria Adolf Loos ya ha tenido hace unos años.

Exactamente, el pabellón diseñado por Le Corbusier de L’esprit Nouveau fue claramente confrontación con el arte predominante en la exposición, así como con el pabellón soviético de Constantine Melnikov o el comedor de Aleksandra Rodchenko. Estas obras ya han influido en las críticas al representar la modernidad radicalmente diferente.

Pavilion l’esprit Nouveau, diseñado Le Corbusier y Pierre Jeanneret. Contribuciones de Wikimedia Commons a la exposición en 1925

Cien años después de su inauguración, la exposición de arte ornamental de París sigue siendo un punto de inflexión básico en la historia del diseño. Su influencia superó puramente estética, la consolidación de Art Deco como el último estilo decorativo importante del siglo y sirvió como escenario para la aparición del movimiento moderno, cuyas ideas racionalistas transformarían el diseño del futuro. Los siguientes ejemplos son, por un lado, Chrysler Building, Empire State o sillas Jacques Emile Ruhlmann; Yo, por el otro, Villa Savoie, el edificio Bauhaus Desssau o muebles Le Corbusier, Pierre Jeanneret y Charlotte Perriand.

La coexistencia de estas dos visiones en la exposición ha demostrado una discusión clave que aún resuena: un equilibrio entre la tradición y las innovaciones en el diseño. Además de su papel en la definición de estilos, la exposición lanzó preguntas básicas sobre la relación entre el arte y la industria, la función de la decoración y la necesidad de diseño de diseño con requisitos sociales. Estas tensiones aún están en vigor en el presente, donde todavía hay desafíos de combinar la creatividad y la producción industrial.

Por lo tanto, exposición de 1925. No fue solo un escaparate del cambio estético en su tiempo, sino un punto de inflexión cuyas lecciones aún inspiran el diseño moderno. Su legado nos invita a pensar en la naturaleza de la moderna y su evolución con el tiempo.