28. Abril de 1925. Año, se abrió una exposición internacional de arte ornamental e industrial moderno en París. Fue un evento significativo en la evolución del arte, la arquitectura y el diseño y despertó un gran interés tanto en el trabajo en la exhibición como en su influencia.
Los carteles de la exposición mostraron ahora el estilo icónico deco. Wikimedia Commons
En el intervalo de España, fue el evento más comúnmente publicado en las revistas de arquitectura, que coinciden con la transición en el enfoque de estas publicaciones de acuerdo con los diseños y muebles de interiores.
La exposición fue una fuente de interés e inspiración desde la Segunda Guerra Mundial, y la abundancia de artículos publicados fue marcado por su importancia constante. Ella marcó un punto de inflexión en la concepción estética del período, él intencionalmente pidió distanciarse de la histórica y enfatizó la originalidad y la novedad en las creaciones artísticas e industriales.
Nacimiento de un “moderno”
El procedimiento más largo de gestación de la Exposición de París logró una gran expectativa. 1911 Rene Guiller, presidente Societe des Artists Decoresurs, propuso un evento internacional que reafirmaría la superioridad francesa en el diseño, especialmente frente a la competencia alemana.
El espacio ocupado en la exposición en 1925. En el centro de París. Biblioteca de Nacional de Francia
Aprobado en 1912. Año, su celebración se cortó originalmente en 1915. Años. Sin embargo, la Primera Guerra Mundial no se pospuso hasta 1925. Años. Durante este período, la exposición fue ampliamente anunciada en la prensa para impresión y estilo especializado.
La idea de la innovación se refleja en las pautas de exhibición, que requieren obras sobre las reproducciones de estilos históricos previamente no publicados y excluidos. Su cuarto artículo expresó que solo funciona “nueva inspiración y originalidad real” será aceptado, prohibir las copias e imitación del pasado.
Aunque tenía como objetivo fomentar un nuevo lenguaje estético de acuerdo con los cambios sociales y tecnológicos, esta directriz provocó una discusión sobre la interpretación de “moderno”. La falta de criterios claros ha llevado a decisiones arbitrarias.
La exposición se convirtió en una escena de tensión entre los diseñadores que aceptaron la vanguardia radical y aquellos que, sin renunciar a la modernidad, mantuvieron ciertas conexiones con los estilos tradicionales.
Dos visiones de moderna
Para los arquitectos y diseñadores más conservadores, el espectáculo fue un estilo máximo que estaba en hacer desde principios del siglo XX.
Tintas, cartas y carreras de pliegues de hierro forjado, hecha por Paul Kiss para la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, París, 1925. Vikimedia Commons
Fue fundamental para la expansión internacional “estilos de 1925”, porque entonces se lo conoce. Era solo 1966. Sobre la exposición retrospectiva “Les Annees 25”, celebrada en Musee des Arts Decorative en París, que este estilo se conoció como Art Deco.
La mayoría de los pabellones franceses y otros pabellones europeos interpretaron la modernidad como una expresión de estilo de tiempo, a menudo relacionado con elementos locales. El pabellón español fue el ejemplo principal: el Bravo Pascular diseñado, se inspiró claramente en los estilos tradicionales y la andalucía.
Aunque la exposición excluyó los estilos históricos, el arte popular, junto con una serie de otras referencias, como el exotismo, el cubismo, el neoclasicismo francés y las máquinas, se incorporan en muchos proyectos. Esto mostró la diversidad de acceso dentro de Art Deco, donde prevalecían la decoración y los motivos geométricos.
Postal del pabellón creada por las galerías Lafaiette. Wikimedia Commons
Sin embargo, los Avantangers consideraron que la exposición fue un enfoque decorativo reforzado muy alejado de lo correcto. La arquitecta belga Augusta Perret, por ejemplo, afirmó que el arte real no se necesita decoración. Por su parte, el libro del arquitecto de Suiza, Le Corbusier, L’Art Decoratif d’Aujourd’hui, y declaró que la verdadera modernidad no debe incluir decoraciones, la idea de que Austria Adolf Loos ha presentado previamente el año.
De hecho, L’esprit Nouveau Pavillion fue diseñado por Le Corbuseier, y Pavillion chocó con la exposición Art Deco Deco, así como el pabellón soviético de Konstantin Melnikov y la cantina de Aleksandar Rodchenko. Estas obras conmocionaron al público y los críticos al representar una visión radicalmente diferente de la modernidad.
El nuevo pabellón Spirit, fue diseñado por Le Corbusier y Pierre Jeanneret. Wikimedia Commons en un legado de 100 años
Cien años después de la inauguración, la exposición de París sigue siendo un punto de inflexión en la historia del diseño. Su influencia superó la estética puramente estética y el Art Deco consolidado como uno de los grandes estilos ornamentales de siglos. También sirvió como fase de la formación del movimiento moderno, cuyas ideas racionalistas transformarán el diseño del futuro.
Ejemplos posteriores de la influencia de Deca incluyeron la construcción de Navidad, el imperio de los edificios y sillas estatales, que fue diseñado por la villa limpia Savoie, el edificio Bauhaus en Dessau y los muebles Le Corbusier, Pierre Jeanneret y Charlotte Perriand.
La coexistencia de estas dos visiones en la exposición señaló una discusión clave que aún resuena hoy: el equilibrio entre la tradición y las innovaciones en el diseño. Además de su papel en la definición de estilos, la exposición estableció problemas básicos sobre la relación entre el arte y la industria, la función de las decoraciones y las necesidades para conectar diseños con requisitos sociales. Estas tensiones siguen siendo relevantes hoy, donde todavía existen desafíos de combinar la creatividad y la producción industrial.
Una exposición de 1925. El año no fue solo un escaparate para el cambio estético de su tiempo, sino el momento original que aún inspira el diseño moderno. Su legado nos invita a pensar en la naturaleza de la moderna y cómo se desarrolla con el tiempo.
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