Con la cuestión de los fondos federales, los artistas pueden mover el futuro completo mirando el pasado

En febrero de 2025. Post de verdad social, el presidente Donald Trump declaró una “edad de oro en el arte y la cultura”.

Hasta ahora, esta es la “Edad de Oro” involucrada las llamadas a la agencia federal, que financió museos y bibliotecas locales para ser desmantelados, con la mayoría de las subvenciones abolidas. La administración Trump está prohibido los recursos financieros del arte federal al examinar a los artistas que promueven lo que la gerencia requiere “ideología de género”. El Centro Kennedy para las artes ejecutadas, con Trump, que fue nombrado él mismo, fue limpiado. Y la administración canceló la dotación nacional de subvenciones de la humanidad.

Solo diga que muchos artistas y organizaciones artísticas están preocupadas en todo Estados Unidos: ¿se financiará la financiación artística del gobierno? ¿Estos recortes indican una nueva guerra contra el arte y la cultura? ¿Cómo hacen los artistas durante este período de cambio?

Como académicos que estudian arte, activismo y política, observamos el último logro con el arresto. Pero creemos que es importante señalar que, si bien el gobierno de los Estados Unidos nunca fue un líder de financiación mundial, los artistas estadounidenses siempre fueron innovadores, creativos y acortados en el momento de la agitación política.

Relación rocosa con el arte

Durante la mayor parte de la historia temprana del país, la financiación del gobierno rara vez estaba garantizada o estable.

Después de la Guerra Civil, la segunda revolución industrial facilitó las concentraciones masivas de riqueza, en lo que se conoció como el tiempo dorado. Fondos de arte privado en este período, con alguna industria de titanio, como Andrew Carnegie y John D. Rockefeller, viendo como su deber de construir museos, teatros y bibliotecas al público. Una gran dependencia del financiamiento privado para el arte molesta a algunos estadounidenses, quienes temían que estas instituciones fueran demasiado expuestas a los caprichos de los ricos.

En respuesta, los activistas progresivos y los políticos de la época afirmaron que la responsabilidad del gobierno de construir espacios de arte disponibles para todos los estadounidenses.

El proyecto teatral federal fue desabrochado después de la producción de ‘Rebellion Beavers’ 1937. Años. Artifage Art / Heritage Pictures a través de Getty Images

Los esfuerzos de financiamiento de arte se amplían al elegir a Franklin D. Roosevelta en 1932, porque la Tierra estaba siendo tentándose de una gran depresión. Desde 1935. Hasta 1943. Años, la Dirección para el Progreso por el Trabajo proporcionó empleos salarios estables para artistas a través del Proyecto Artístico Federal. Sin embargo, el Congreso sabe que el programa ha dejado de reaccionar a la producción de “Rebelión del Dabrov”, que los políticos conservadores los condenaron a contener temas marxistas abiertos.

Sin embargo, debido a las décadas incorporadas, el gobierno federal generalmente firmó su apoyo al arte.

El Congreso fundó el National Endance for Art and National Endowment for Humanities en 1965. Financiar organizaciones y artistas artísticos. Y desde 1972. Año, la administración del servicio general fue ordenada por arte público para edificios federales y organizó un registro de artistas potenciales.

NEA dio $ 8.4 millones financiando directamente a artistas en 1989. A través de becas y subvenciones. Esto podría considerarse agua alta para financiamiento ilimitado para artistas individuales.

“Piss Cristo” de Andres Serrano alentó a las llamadas para limitar la financiación pública. Fairfak Media / Getty Images

En la década de 1980, la sexualidad, las drogas y la moral estadounidense se han convertido en preguntas políticas con el botón caliente. El arte, desde la música hasta el teatro, estaba en el centro de esta cultura de la guerra. La presión se intensificó en 1989. El año, cuando los líderes conservadores desafiaron dos exposiciones financiadas por NEA que contenían Andres Serrano y Robert Mapplethorpe, que consideraban homoeróticos y anti-cristianos. En 1990. El Congreso ha presentado al Congreso “una cláusula de decencia” liderando todo el futuro trabajo de NEA. Cuando los republicanos regresaron al control sobre el Congreso en 1994. Años, redujeron la financiación directa para el arte.

Utilizando fondos directos para artistas, hoy, los artistas pueden recibir indirectamente el apoyo de las agencias de artes federales que se otorgan a organizaciones de arte que luego expulsaron parte del artista. Las agencias gubernamentales locales y estatales también brindan pequeñas cantidades de apoyo directo para los artistas.

Fase de democracia

Los artistas y las organizaciones artísticas tienen un largo legado de persistencia y organización estratégica durante el período de traducción política y económica.

En las colonias prerrevolucionarias, los representantes del gobierno británico prohibieron las actuaciones teatrales para desalentar la acción revolucionaria. En respuesta, los barcos dramáticos activistas organizaron drama subterráneo y lecturas dramáticas informales para hacer que el activismo sea vivo el activismo.

William Wells Brown escribió Antisvers Play en el período de Antebellum. Hulton Archive / Getty Images

El teatro activista continuó en el período de antebelo con el fin de promover hechizos en el aroma.

Este drama, que a menudo organiza a las mujeres, tendrá lugar en las salas de estar, fuera de una vista pública. Lecturas de Kllandestin Inscined: la más famosa escribió una de las primeras dramáticas negras estadounidenses, William Wells Brown -Semeno en entusiasmo y solidaridad para el Prontisaver. Estas lecturas privadas estancadas ocurrieron junto con presentaciones públicas y conferencias.

El oficio del mundo que quieres

Docenas de escuelas experimentales como Highlander Folk School en Tennessee y Commonwealth College en Arkansas se fundaron en las décadas de 1920 y 1930 para activar a los activistas.

Apoyo a estudiantes adultos de todas las edades, pero especialmente adultos jóvenes, inicialmente centrado en técnicas basadas en el arte para trabajadores de capacitación en activismo laboral. Por ejemplo, los estudiantes han escrito actuaciones cortas basadas en sus obras de trabajo de fábrica. En sus ensayos y actuaciones, los finales en los que los trabajadores triunfaron en torno a los crueles jefes.

Muchos programas fueron viviendas, rurales y desaparecieron versiones tempranas de asistencia mutua, donde artistas y activistas se apoyaron directamente a través de dinero y recursos. La matrícula fue mínima y generalmente se proporcionó directamente de organizaciones de trabajo y aliados, incluido el Fondo de Servicio Público Americano. La mayoría de los maestros eran voluntarios, y las comunidades de aprendizaje a menudo se cultivan para cubrir las necesidades básicas.

Aunque estas instituciones enfrentan las amenazas constantes de los gobiernos locales, e incluso las FBI, estas escuelas comunales se han convertido en las razones de prueba del cambio social. Algunos programas incluso se convirtieron en lugares de capacitación para activistas de derechos civiles.

Coloque el mundo que necesitas

Los artistas negros tienen espacios de conexión comunitaria y desarrollo profesional. La gran migración ha llevado a muchos artistas y pensadores negros estadounidenses en la ciudad de Nueva York, conocido por alentar a Harlem Renaissance, que duró desde finales de la Primera Guerra Mundial hasta la década de 1920. Durante este período, el vecindario se convirtió en una fuente de cultura, con artistas negros que producen innumerables juegos, libros, música y otras obras visionarias.

Este legado continuó en el Far Place Midtown o Jam, el laboratorio de la Galería y el Arte de Linda Good Briant se realizó desde 1974. Hasta 1986. Años en la calle West 57. Street en Manhattan. Calle en Manhattan.

En ese momento, las organizaciones de arte apoyaban principalmente la obra de arte de los hombres blancos. En respuesta, un buen Briant comenzó Jam para crear un espacio que apoyara y celebrara a los artistas en color. Jam proporcionó talleres de negocios artísticos, cooperación procesada y lanzó una carrera de artistas negros como David Hamoni y Lorraine O’Gradi.

Linda Good Briant asistiendo a la recepción de la exposición en honor sobre el centro de la ciudad en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en el mito, 3. Octubre de 2022. Eugene Gollogone / Getty Images for Museum of Modern Art El futuro es ahora es

Si no entiende eso, muchos artistas y organizaciones artísticas hoy integran lecciones del pasado.

En los últimos años, promovieron la asociación de trabajadores del museo y crearon redes locales de asistencia mutua, como un fondo para ayudar al museo, que es uno de los grupos de trabajadores coleccionistas para trabajadores de arte durante la pandemia de covalice-19. Construyen redes de apoyo financiero para dividir el espacio y el dinero con otros artistas y organizaciones de arte. Y formar tierras culturales que se conectan, que crean cooperativas de tierras en las que los artistas pueden trabajar y vivir entre sí.

Además, los nuevos modelos filantrópicos cruzan los fondos del arte que ascienden las perspectivas de los artistas, no las de los ricos financiadores. El papel en San Francisco ayuda a las organizaciones artísticas a encontrar galerías accesibles y espacios de rendimiento. El Fondo y la Cultura de la Suministros de energía utiliza un modelo Crowdrópico que permite a los artistas y miembros de la comunidad decidir quién recibe subvenciones futuras. La Fundación Ruth para el Arte hace que los artistas toman decisiones en la otorgación de organizaciones de arte.

Aunque los desafíos actuales no tienen precedentes, y las amenazas de financiación probablemente remodelarán las organizaciones artísticas continúan limitando el apoyo directo de los artistas, estamos convencidos de que el arte persistirá con apoyo o sin apoyo gubernamental.