¿Música, arte o ciencia? De Pythagor a tuberías armoniosas

La música usa sonidos y silencio para desafiar las emociones y creó experiencias estéticas en el oyente. Su capacidad para transmitir sentimientos y emociones lo convierte en fondos poderosos para la comunicación emocional y es un producto cultural que está presente en todas las sociedades humanas, lo que refleja las tradiciones y valores de los levidios de cada cultura. Como dijo Ludwig Van Beethoven, “la música es una revelación más alta que la ciencia o la filosofía”.

Ya en la época de Pythagora (AEC del siglo VI), la música se consideraba ciencia para su fundación matemática. Los defensores de esta perspectiva afirman que el universo de la música consiste en numerosas fórmulas numéricas, como acordes, intervalos, ácidos, seraje, etc.

Pythagores que celebran Dawn, Fyodor Bronnik’s Oil.

También hay una relación con la física, porque estas son ondas sólidas que son responsables de implementar información en nuestros oídos para que el cerebro esté procesando.

Hay muchos aspectos en los que la evolución de la música y la ciencia se ha vuelto de la mano: desde los fundamentos de la armonía matemática en el período clásico griego, hasta la investigación neurociental más actual sobre cómo la música afecta nuestros cerebros, sentimientos y emociones.

Pero al mismo tiempo, la música se consideraba el arte de Plasma Platón (en el siglo IV) en su trabajo La Republica. El filósofo lo describió como arte educativo, capaz de entrar en el alma y lo forma en la virtud.

Música y ciencia a lo largo de los siglos

Pythagore ha estudiado la relación entre los cables y los sonidos que produjeron, de manera teórica-práctica a través de su base monocoria para la comprensión matemática de la armonía musical.

Después de eso, durante la Edad Media, la música fue concebida como una de las ramas de las matemáticas dentro del cuarto plan de estudios de élite. Esta visión reforzó la idea de la música como una disciplina con una base científica sólida.

Durante siglos, en el Renacimiento y más tarde durante el barroco, el progreso de la física ha permitido la profundización del estudio de acústica, la rama de la ciencia que estudia el sonido del sonido. Esto ha permitido una mejor comprensión de la forma en que se produce la música y en la víspera, establece las bases para futuras innovaciones en la creación de instrumentos y composición musical que mostraría un período clásico y romántico.

El siglo XX marcó un hito en relación entre la música y la ciencia con el advenimiento de la música experimental. Los compositores como John Cage comenzaron a usar técnicas de indefinición y buscan resultados revolucionarios, desafiando las convenciones establecidas.

Aunque le debemos a Pierre Schaeffer, al presentar el término “Musicue Experimental” en 1953. Años, que arrebataron la cinta magnética y la música electrónica, estos avances tecnológicos abrieron nuevas oportunidades para crear muchas personalidades.

También enfatiza la influencia de la electrónica desde finales de la década de 1950, cuando una composición informada por computadora comenzó a explorar, conectando la música con la ciencia del cálculo.

Neurociencia y música

Actualmente, la investigación científica se centra, entre los enfoques más interdisciplinarios, cómo la música afecta nuestro cerebro y nuestras emociones. Numerosos estudios han demostrado que la música puede activar áreas del cerebro relacionadas con la memoria, la atención, la concentración, la emoción, etc.

Este hecho ha contribuido a la aparición de técnicas que usan música para fomentar la actividad cerebral, como un método de canasta, que utiliza cantos y golpes de funciones cognitivas y ejecutivas. Su acrónimo se refiere a disciplinas biomecánicas, anatomía, psicología, neurociencia y etnomusicología.

En el cuerpo de contabilidad (2018), se proponen actividades en las que se proponen el cuerpo y el movimiento de la experiencia y la construcción de la música a través de poliritmias como base del trabajo neurológico.

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Taller para experimentar música como arte y ciencia

Acordial o Bumwhackers es una herramienta ideal para explorar las relaciones musicales con números, como se puede mostrar en un taller reciente. Estos instrumentos de plástico para percusión y diferentes colores y tamaños ofrecen una forma única y asequible de explorar conceptos musicales básicos, promoviendo la creatividad y la expresión artística.

En primer lugar, nos permiten comprender la teoría pitagórica, porque muestran la relación numérica del sonido tangible. Los participantes pueden experimentar cómo la longitud de la tubería se refiere directamente a la cantidad de sonido producido, proporcionando una comprensión intuitiva de los principios acústicos básicos.

También nos permiten comprender conceptos como el ritmo y la estructura musical cuando se usan para crear acompañamientos armoniosos simples e incluso reproducir frases de canciones melódicas rítmicas. El uso de Bumhaker facilita la experimentación y el desarrollo musical creativo, lo que permite una mejor comprensión de los conceptos teóricos musicales.

Dimensión kinestésica de la música

El uso del cuerpo y el espacio gracias a la simplicidad interpretativa de estos instrumentos percusiones agrega una dimensión kinestésica al aprendizaje musical, mejorando la coordinación y la conciencia espacial de los participantes.

Para crear melodías y armonía consistente, los participantes deben coordinar sus acciones, así desarrollar habilidades clave como la escucha activa, la sincronización rítmica, la comunicación no verbal y el trabajo en equipo. Al convertir el movimiento en el sonido, los participantes mejoran su coordinación visible, percepción espacial y control de motor fino y grueso.

El desarrollo del psicomotor no solo es útil para la música, sino que también puede tener efectos positivos en otras áreas de aprendizaje y desarrollo personal, como la creatividad de un enfoque lúdico y experimental que fomenta el pensamiento de manera creativa e investiga nuevas formas de expresión musical.

Entonces, al igual que el famoso músico y poeta francés Guillaume de Machaut (1300-1377) escribió, la música es una ciencia que puede hacernos sonreír, cantar y bailar. De esta manera, podemos concluir con este doble concepto de música como ciencia y arte que hoy en el siglo XXI prevalece.