Siempre ha sido difícil triunfar como artista en Estados Unidos, y cada vez es más difícil

“Ser artista no se considera un verdadero trabajo.”

Es un sentimiento que he escuchado una y otra vez, que resuena en estudios, salas de ensayo y mesas de cocina: una silenciosa frustración porque el trabajo de crear arte rara vez gana la legitimidad o seguridad que se brinda a otros tipos de trabajo.

Estudio cómo trabajan y se ganan la vida los artistas en los Estados Unidos. En un país que valora la creatividad e ignora a las personas que la producen, he visto cómo los artistas deben navegar en un sistema que trata su vocación como una apuesta personal en lugar de una profesión que vale la pena apoyar.

“Me gustaría que este país apoyara a los artistas”, me dijo un artista. “Mira qué bueno sería celebrar la cultura”.

La realidad es que para muchos artistas, el sueño de sostener una carrera creativa ahora se mantiene firme: ingresos variables, beneficios limitados y poca protección frente a las crisis tecnológicas o del mercado.

Algunos países han comenzado a reconocer esto y actuar en consecuencia. Corea del Sur, por ejemplo, introdujo su Ley de Bienestar de los Artistas en 2011 y la amplió en 2022, creando mecanismos para la estabilización de ingresos, seguros y protección contra contratos injustos.

Estos ejemplos muestran que la inseguridad no es una característica inevitable de la vida artística: es un síntoma de decisiones políticas.

Mi nuevo libro, “Artistas en el trabajo: repensar las políticas para las carreras artísticas”, utiliza datos sobre la fuerza laboral estadounidense para mostrar cómo construir una carrera creativa se ha convertido en una actividad cada vez más riesgosa, y cómo políticas más inteligentes podrían hacer que sea menos arriesgado.

Profesión frágil

Alrededor de 2,4 millones de estadounidenses son artistas, o aproximadamente el 1% de la fuerza laboral en 2019. Esta cifra incluye personas cuya ocupación principal se encuentra dentro del campo artístico, como músicos, diseñadores, escritores, actores, arquitectos o artistas visuales, según la Oficina de Estadísticas Laborales de EE. UU. Probablemente sea bajo, porque muchos artistas tienen trabajos fuera del arte para respaldar su trabajo creativo.

Pero incluso antes de la pandemia de COVID-19, el número de artistas en activo ya estaba disminuyendo. Entre 2017 y 2019, el empleo formal en estos campos cayó de 2,48 millones a 2,4 millones, una contracción silenciosa que reflejó la reducción de oportunidades y la creciente inestabilidad en los campos creativos.

Cuando llegó la COVID-19, ese lento declive se convirtió en un colapso. La economía de las artes se contrajo un 6,4% en 2020 (casi el doble de la tasa de caída en Estados Unidos en su conjunto) y se perdieron más de 600.000 puestos de trabajo. Para los artistas, la pandemia no ha creado nuevos problemas sino que ha revelado cuán poca red de seguridad les llegó.

El seguro médico es un ejemplo.

La mayoría de los artistas están asegurados, pero aproximadamente el 20% compra cobertura por su cuenta, en comparación con aproximadamente el 10% de todos los trabajadores estadounidenses. Cuando la Ley del Cuidado de Salud a Bajo Precio amplió el acceso a los planes individuales, las tasas de cobertura de los artistas mejoraron significativamente, un recordatorio de que una buena política puede marcar una diferencia real para esta fuerza laboral.

Incluso este modesto progreso está ahora en peligro: con los subsidios mejorados del mercado a punto de expirar y la financiación estatal actual acercándose, las primas individuales bajo la ACA podrían más que duplicarse para muchos afiliados el próximo año.

La educación tampoco proporciona mucha protección. Los artistas se encuentran entre los grupos más educados del mercado laboral (alrededor de dos tercios tienen al menos una licenciatura), pero sus ingresos no aumentan tanto con cada nivel de educación como los ingresos de otros profesionales. Las investigaciones muestran que incluso los artistas con títulos ganan salarios más bajos y enfrentan cambios más pronunciados en sus ingresos que los trabajadores con educación similar en otros campos.

Los artistas casi por definición hacen malabarismos con múltiples roles. En 2019, alrededor del 8% tenía más de un empleo (en comparación con el 5% de todos los trabajadores) y aproximadamente el 30% trabajaba a tiempo parcial en diferentes tipos de empleos. Muchos han combinado la enseñanza, proyectos independientes y trabajos por contrato para crear algo parecido a un trabajo de tiempo completo.

Un artista independiente que trabaja como guardia de seguridad por la noche limpia baños en un hospital de Maryland en 2016. Astrid Ricken/The Washington Post vía Getty Images

Mi investigación muestra que el trabajo por cuenta propia es mucho más común entre los artistas que entre otros trabajadores. Sin embargo, muchos se vuelven independientes no porque anhelen emprender, sino porque es la única opción disponible. Las principales industrias que emplean artistas incluyen servicios profesionales y técnicos, arte y entretenimiento, información y venta minorista.

En otras palabras, los artistas a menudo se mueven entre trabajos artísticos y no artísticos, enseñando durante el día o trabajando en turnos nocturnos, sólo para mantener viva su práctica creativa.

Las leyes laborales existentes suponen un salario fijo

La mayoría de las protecciones laborales en Estados Unidos (seguro médico, licencia pagada, compensación laboral y beneficios de pensión) están vinculadas al empleo de tiempo completo, el V-2. Pero pocos artistas trabajan de esa manera. Dependen de actuaciones que no encajan del todo en los sistemas existentes: contratos a corto plazo, producciones de edición limitada, como musicales o rodajes de películas, y honorarios únicos para proyectos.

Las reglas existentes simplemente no apoyan a los artistas profesionales.

Debido a que los empleadores no aportan fondos de desempleo a los contratistas o trabajadores independientes, la mayoría de los artistas no son elegibles para el seguro de desempleo.

Mientras tanto, el código tributario permite a los coleccionistas deducir el valor total de la obra de arte que donan, pero limita a los propios artistas a deducir sólo el costo de los materiales.

La financiación pública para las artes, desde el Proyecto Federal de las Artes del New Deal hasta la creación del Fondo Nacional de las Artes, ha llegado en breves ráfagas, pero a menudo se ve primero afectada durante las crisis económicas.

En conjunto, estos ejemplos revelan un patrón de siglos: Estados Unidos celebra el arte pero ignora a los artistas. En lugar de tratar el trabajo creativo como trabajo legítimo, la política del país no proporciona a los artistas estabilidad ni protección.

Una política de trabajo que valora a los artistas

Si las políticas laborales han ignorado en gran medida a los artistas, es porque los formuladores de políticas están empezando desde el lugar equivocado. Con demasiada frecuencia, a los artistas se les pide que justifiquen su valor demostrando que impulsan el turismo, aumentan el valor de las propiedades o estimulan la innovación. Esa lógica convierte el trabajo creativo en una herramienta para los objetivos de otras personas.

En mi opinión, un mejor punto de partida es el derecho a elegir un trabajo creativo. La capacidad de elegir libremente una ocupación (y ganarse la vida realizando un trabajo significativo) es tan fundamental para muchos estadounidenses como la libertad de expresión. Sin embargo, la estructura de la política laboral estadounidense hace que esa elección sea casi imposible para muchos artistas.

Diseñar políticas en torno a cuántos artistas trabajan realmente (proyecto por proyecto, contrato por contrato) permitiría que más personas construyeran carreras sostenibles en las artes. También haría que el sector fuera más inclusivo, atrayendo talento de diferentes clases sociales, no sólo de aquellos que pueden afrontar el riesgo.

Pero creo que un cambio de política también requiere un cambio de mentalidad.

Ver a los artistas no como casos especiales o herramientas económicas, sino como trabajadores que ejercen un derecho humano básico –el derecho a elegir su trabajo– fortalece tanto la cultura como la democracia. Para mí, la cuestión central no es si los artistas merecen ayuda porque su trabajo enriquece a otros, sino si cada individuo debe tener la libertad de vivir un trabajo que dé sentido a la vida.